ART-Regio | SV SparkassenVersicherung

Regionalität

ART-regio unterstützt Ausstellungsprojekte zur zeitgenössischen Kunst in Museen, öffentlichen Galerien, Kirchen und Vereinen des Geschäftsgebietes der SV SparkassenVersicherung. Neben finanzieller Unterstützung leistet ART-regio vor allem konzeptionelle und organisatorische Projektarbeit, welche die Ausstellungskonzeption, den Entwurf begleitender Drucksachen, das Erstellen von Fachtexten, Pressearbeit, das Vorbereiten und Durchführen von Vernissagen, die Versicherung und logistische Leistungen umfassen kann.
Ziel dieses Engagements ist es, die regionalen Kulturlandschaften zu vernetzen und sie mit ihren jungen, noch unbekannten, aber auch mit bereits etablierten zeitgenössischen künstlerischen Positionen stärker ins Licht der Öffentlichkeit zu rücken.
Mit nahezu 50 Ausstellungen pro Jahr realisiert ART-regio ein unvergleichbares Kunstförderprogramm, das mehr als klassisches Sponsoring ist. Dezentral und flächendeckend kooperiert die SV allein durch Art-regio mit unzähligen Partnern, mit Künstlerinnen und Künstlern sowie deren Verbänden, mit Galeristen, Sammlern und Ausstellungshäusern. ART-regio pflegt den Kontakt zu den Akademien und Kunsthochschulen des Geschäftsgebietes der SV und bemüht sich um eine produktive Zusammenarbeit mit den kulturpolitischen Verantwortungsträgern in den Kommunen und Ländern.

Im 30. Jubiläumsjahr der galerie ada öffnet die erste Auflage des als Biennale angelegten „Kunst-Salon-Meiningen“ seine Pforten. Siebzehn Künstlerinnen und Künstler aus Meiningen und Südthüringen präsentieren sich mit Malerei, Grafik, Keramik, Glas, Skulpturen, Plastiken und Fotografie. Sie zeigen Beispiele neuester Arbeiten der letzten zwei Jahre und bieten damit einen singulären Blick auf die aktuelle Kunstszene der Region.

Singulär ist auch die in Meiningen erlebbare Nähe von bildender und darstellender Kunst. Die Meininger Städtische galerie ada und die Kammerspiele des Meininger Theaters befinden sich untereinem Dach. Theaterbesucher können vor jeder Vorstellung mit ihrer Karte auch die Galerie besuchen, deren Öffnungszeiten dann erweitert werden.

Abbildung: Grafikmarkt 2019 in der Städtischen galerie ada , Foto: Ralf-Michael Seele

Mit 86 Einzelbewerbungen hat sich eine überraschend große Zahl von Künstlerinnen und Künstlern um eine Teilnahme an der 1. Taunus Kunst Triennale in Hofheim/Ts. beworben. Die am 01. Dezember 2019 im Stadtmuseum Hofheim eröffnete und vom Kunstförderprogramm der SV SparkassenVersicherung ART-regio unterstützte Wettbewerbsausstellung präsentiert insgesamt 25 individuelle künstlerische Positionen mit jeweils mehreren Arbeiten zum Thema der Triennale „BLICK AUF HEUTE“. Sie belegt die Lebendigkeit der Kunstszene in der Taunusregion.

Das Triennale-Projekt spiegelt zugleich die enge Kooperation zwischen dem Stadtmuseum und dem Kunstverein Hofheim e.V., die gemeinsam das Ziel verfolgen, neue Impulse für die Fortschreibung der Kunsttradition von Stadt und Region zu setzen. Den Kunstschaffenden bietet die Triennale ein neues Forum öffentlicher Präsentation zeitgenössischer Arbeiten.

Abb.: Blick in die Ausstellung, Foto: Herbert Fischer

Bereits zum 15. Mal findet in diesem Jahr der Schömberger Fotoherbst, das internationale Festival für Reise- und Reportagefotografie, statt. Für einen Monat verwandelt sich der Heilklimatische Kurort im nördlichen Schwarzwald zur größten Fotogalerie Deutschlands. Im Rat- und im Kurhaus, im Museum Bühler sowie in zahlreichen Geschäften des örtlichen Einzelhandels werden Fotoserien von siebenundvierzig Fotografinnen und Fotografen zu sehen sein, die spannende und äußerst vielfältige Eindrücke von der Welt vermitteln.

Zum Begleitprogramm gehören ein Fotografie-Workshop, Multivisionsshows und eine Outdoor-Ausstellung des renommierten Reisefotografen Hartmut Krinitz im Kurpark mit Aufnahmen von magischen Orten Europas im Riesenformat 300 x 200 cm.

Abb.: Godafoss, Wasserfall der Götter

Was ist 100 Jahre nach der Gründung des Bauhauses vom revolutionären Schub für das Kreative geblieben? Gelten sie noch, die neuen ästhetischen Prinzipien, die radikal in den Fokus gerückt worden waren, und wo stehen wir heute in der Debatte über die gesellschaftliche Relevanz künstlerischer Arbeit?

Der Verband Bildender Künstler Thüringen (VBK) hat seine Mitglieder eingeladen, über die tragenden Ideen des Bauhauses für das eigene Werk nachzudenken. Ausgewählt wurden 42 aktuelle Positionen als "Kommentare" zeitgenössischer Kreativer für eine gemeinsame Präsentation, die sich als Beitrag des VBK Thüringen zur Diskussion über das Bauhauserbe versteht. Ihr Schwerpunkt liegt nicht allein auf der Suche nach "Bauhausspuren" im individuellen Werk, sondern vor allem auf dem künstlerischen Weiterdenken. Dieser Akzent begründet auch die Unterstützung des Projekts durch ART-regio, die Kunstförderung der SV SparkassenVersicherung.

Ganz der Bauhausidee folgend, spiegelt die Ausstellung das vielfältige Spektrum künstlerischen Schaffens in Thüringen und vereint aktuelle Positionen von Malerei, Skulptur, Installation, Grafik und Fotografie aber auch Produktdesign, Keramik, Textil-, Metall-, Schmuck- und Holzgestaltung. Ergänzt wird sie durch die Ergebnisse zweier Workshops -Grafik und Textil-, die im Geist des BAUHAUSES als gestalterische Experimentierfelder veranstaltet wurden.

Dr. R. Luhn

Abb.: Nane Adams, Flexible Rings nach Bauhaus, Silberringe mit verschiedenen Nylonschnüren, 2019.

Die farbigen Skulpturen von Emilia Neumann wecken vielerlei Assoziationen wie etwa Anklänge an Wachstum und Zersetzung und zeigen spannungsreiche Kontraste zwischen der Einfachheit des Materials und einer schillernden Oberfläche. Urban Hüter präsentiert rätselhafte Objekte, amorphe Materialassemblagen, raumgreifende Akkumulate aus verschiedenen Werkstoffen, die er als dreidimensionale Collagen versteht.

Abbildung: Urban Hüter, there's no place like…,Kunststoff, Aluminium und Stahl, 520 x 850 x 310 cm, 2017.

Weitere Informationen finden Sie auf der Homepage des Marburger Kunstvereins:
www.marburger-kunstverein.de

So vielfältig wie sich Glas gestalten lässt, so vielschichtig arbeitet der Künstler Wolfgang Nickel aus Schmalkalden. In der eigenen Werkstatt entstehen verschmolzene Glasflächen als Bildträger, Fenstergestaltungen für öffentliche Einrichtungen und Kirchen, aber auch spezielles Kircheninventar wie Altar, Tabernakel, Ambo und Leuchter. Nickel nutzt nicht nur die klassischen Techniken der Glasgestaltung. Er arbeitet mit einer relativ neuen Methode, dem Glasfusing, wobei zermahlenes Farbglas in vielen Schichten auf Glasflächen aufgebracht und dann in speziellen Brennöfen verschmolzen wird. Seine Experimentierfreude zeigt sich auch bei Glasobjekten, in die er den quadratischen QR-Code implantiert. Über die Scanfunktion des Handys lassen sich die verschlüsselten Informationen abrufen.

Abbildung: © Wolfgang Nickel

„Clouds - Wolken“ lautet das Thema des deutschlandweit einzigartigen Kunstevents bewegter wind 2018 in der Region Zierenberg-Habichtswald in Nordhessen. Ob Windkunstobjekte, Installationen, Videos oder Performances: Künstlerinnen und Künstler aus aller Welt sind eingeladen, ihre Arbeiten in der faszinierenden Höhenlandschaft westlich von Kassel zu präsentieren. Mit keltischen Stätten, Wäldern und Seen, aber auch mit der mittelalterlichen Stadt Zierenberg bieten sich vielfältige Kontexte und Ausstellungsmöglichkeiten. Das Windkunstfestival, getragen vom Verein bewegter wind e.V., wird von einem themenbezogenen Rahmenprogramm begleitet, das zum Entdecken von Landschaft und Kunst gleichermaßen einlädt.
Partner und Unterstützer sind der Landkreis Kassel, der Naturpark Habichtswald, die Stadt Zierenberg und die Gemeinde Habichtswald sowie zahlreiche Sponsoren, darunter auch die SV SparkassenVersicherung mit ihrem Förderprogramm SV/ART-regio.
Erwartet wird ein breites Spektrum künstlerischer Positionen. Aus dem Kreis von 183 Bewerberinnen und Bewerbern hat eine Jury 88 Künstlerinnen und Künstler zum Windkunstfestival 2018 eingeladen.

Abbildung: bewegter wind 2014, Vagaram Choudrary. Windobjekt. Foto: UweThon.

Mit einem Symposium und einer Ausstellung in der Gothaer Orangerie stellt der Verband Bildender Künstler Thüringen e. V., unterstützt von der Kunstförderung ART-regio der SV SparkassenVersicherung, die Frage: "WAS BLEIBT". Sie zielt auf den Umgang mit Werk und Nachlass in Thüringen lebender Künstlerinnen und Künstler ab und versucht die Verantwortung der Gesellschaft für das kreative Erbe im Freistaat zu thematisieren. Von einer unabhängigen Jury ausgewählt, werden künstlerische Positionen vorgestellt, die für den Kunstraum Thüringen von besonderer Relevanz sind. Dabei haben die Künstlerinnen und Künstler sich zunächst selbst die Frage gestellt, welche Werkgruppen oder Einzelwerke sie für bewahrenswert halten. Aus diesem Fundus hat die Kuratorin der Ausstellung, Frau Dr. Angelika Steinmetz-Oppelland, geschöpft und eine spannende Präsentation vorbereitet.

Abbildung: Katalogumschlag zum Projekt "10 Prozent - Was bleibt?" (Entwurf: Klaus Nerlich)

Weitere Informationen finden Sie auf der Homepage der Veranstaltung sowie auf der Homepage vom Verband Bildender Künstler Thüringen e.V.:

www.wert-der-kreativitaet.de

www.kuenstler-thueringen.de

Walter-Gebauer-Keramikpreis 2018

im Foyer der Regelschule Bürgel vom 15. bis 17. Juni 2018

Zu den Mitauslobern des Walter-Gebauer-Keramikpreises gehört seit 2008 die Kunstförderung ART-regio der SV SparkassenVersicherung. Sie unterstützt damit nicht nur einen im mitteldeutschen Raum einzigartigen Kunstwettbewerb, sondern rückt zugleich die besondere keramische Tradition der kleinen ostthüringischen Stadt Bürgel in den Fokus.

Tausende Besucher des jährlich stattfindenden Töpfermarkts nutzen die Chance, mit dem Besuch der Wettbewerbsausstellung Arbeiten zu begegnen, bei denen sich technische Perfektion und künstlerisch anspruchsvolle Formgebung verbinden. Der Wettbewerb zeigt sich aber stets auch offen für freie und avantgardistische Gestaltungsideen. Themengebunden loten die ausgestellten Arbeiten das ganze Spektrum keramischer Formfindung und Oberflächengestaltung aus.

Mit dem Rahmenthema 2018 "DER FREMDE IMPULS" stellt sich der aktuelle Wettbewerb in den Kontext globalen Austauschs, dessen kulturelle Dimension allzu oft von der rein wirtschaftlichen überlagert wird.

Abbildung: © Walter Gebauer Keramikpreis

Weitere Informationen finden Sie auf der Homepage:

www.buergeler-toepfermarkt.de

Zwei spannende und dabei augenscheinlich sehr unterschiedliche keramische Positionen begegnen sich in Bühl in einer Ausstellung.
Monika Debus´ aus geschlossenen Gefäßformen entwickelte keramische Skulpturen gewinnen ihre Individualität vor allem durch die variantenreiche grafische Gestaltung der Oberflächen. Stephan Hasslinger entwickelt seine Objekte durch die Montage mehrerer keramischer Einzelelemente, die durch ihre Form und Verbindung von textilen Vorbildern abgeleitet scheinen.
Ihre Oberflächen prägt ein offenes Geflecht oder auch Netzwerk aus keramischem Material. Hasslingers Arbeiten irritieren ebenso wie sie faszinieren, weil sie scheinbar vom Keramischen wegführen, dabei aber die Grenzen der Formgebung des Materials ausloten.

Abbildung: links Monika Debus, rechts Stephan Hasslinger

Weitere Informationen finden Sie auf der Homepage der Stadt Bühl und bei den Künstlern:

www.buehl.de

www.debus-sculptur.de

www.stephan-hasslinger.de

Markus F. Strieder zeigt in der aktuellen Ausstellung neben seinen Stahlskulpturen, deren Präsenz und archaische Wirkung sich allein aus dem perfekten Zusammenspiel von Material und Form erklären, erstmals auch zwei neue Videodokumentationen, die den Entstehungsprozess seiner Arbeiten transparent machen.
Die Videos verfolgen, wie Strieders Stahlskulpturen unter dem Schmiedehammer oder dem Druck der Walzen in Form gebracht werden und sie legen damit ein Stück ihrer Genese offen, die ansonsten verborgen bleibt. Nachvollziehbar wird, warum eine so unterschiedliche Wirkung von seinen Objekten ausgeht und wie die künstlerische Intervention verschiedene Interpretationen des Materials Stahl ermöglicht.
So entstehen neben den geschmiedeten und massiv-kompakten Objekten auch filigran wirkende gewalzte Skulpturen, die leicht und offen wirken und geradezu spielerisch die Formphantasien des Künstlers abbilden.

Abbildung: Blick in die aktuelle Ausstellung (Foto: Städtische Galerie Tuttlingen 2018)

3Steps, das ist der Name der Künstlergruppe Kai H. Krieger, Uwe H. Krieger (*1980) und Joachim Pitt (*1980) aus Gießen. Ihre Arbeiten, die auch international stark beachtet werden, haben ihren Ursprung in der Mural Art und Street Art. Knallige Farben und die zeitgenössische Reflexion unserer Gesellschaftswirklichkeit prägen die Arbeiten der drei Künstlerfreunde.
3Steps hinterfragt die Bedeutung von Objekten und Sachverhalten, interpretiert Alltagsgegenstände neu und bezieht Fundstücke vom Dachboden oder von der Straße in die künstlerische Gestaltung ein. Durch kräftige Farben oder die Kombinationen von Objekten soll Alltägliches neu gesehen und auch hinterfragt werden. Was ist Wirklichkeit, was Fiktion, was Wunsch? Die Antwort gibt es in leuchtendem Neopop.
Zur Ausstellung bieten die 3Steps-Künstler Workshops für Jugendliche an, bei denen u.a. ein Fassadenteil der Kunststation Kleinsassen neu gestaltet wird.

Abb. Hauptseite: Luftaufnahme der Kunststation Kleinsassen mit aktueller Fassadengestaltung der Künstlergruppe, Foto: Arnulf Müller
Oben: 3Steps, Bahnhof, 2016

Weitere Informationen finden Sie auf den Homepages des Künstlerkolektivs 3Steps und der Kunststation:

www.3steps.de

www.kleinsassen.de

Axel Anklam, Meisterschüler von Tony Cragg und 2010 Gastprofessor an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste in Stuttgart, ist ein Bildhauer des Lichts. Bei all ihrer notwendigen Materialität, sei es Edelstahl, Epoxid oder Glas, schafft er reine Lichtplastiken. Das Licht fällt nicht nur auf sie, vielmehr entströmt es ihnen und strahlt weit in ihr Umfeld. Axel Anklams Plastiken sind beeinflusst von organischen Strukturen, denen er nachspürt und die er zeichnerisch festhält. Die bildhauerischen Arbeiten selbst entstehen schließlich aus der Verbindung von Inspiration und mathematisch exakter Konstruktion. Anmutig transparent durch die gitterartige Struktur ihrer Oberfläche ragen seine Plastiken in den Raum und verändern ihn. Jede neue Lichtsituation ermöglicht dem Betrachter aber auch eine neue Wahrnehmung der Kunst Axel Anklams.

Abb.: Blick in die aktuelle Ausstellung im Kunstverein Reutlingen, Mooka II, 2016 (links), Inside, 2016 (Mitte), Windsbraut, 2016 (rechts), © VG Bild-Kunst Bonn, 2017

Vielleicht ist sie die bekannteste unter den bis heute eher Unbekannten in der Thüringer Kunstszene: Elisabeth Weidemann. Dies wohl auch deshalb, weil sich das Werk der Autodidaktin über weite Strecken im eher halböffentlichen Raum entwickelte. Elisabeth Weidemanns künstlerische Vita kennt nur eine überschaubare Anzahl von Ausstellungen, vorwiegend im regionalen Kontext, und von wirklicher Präsenz im Kunstbetrieb des kleinen Landes kann kaum gesprochen werden. Nichts desto trotz ist in der Stille ein bemerkenswertes Werk entstanden, das nun in einer Retrospektive im Gothaer KunstForum öffentlich wird. Elisabeth Weidemann stellt sich in dieser Präsentation als eine ausgesprochen vielseitige Künstlerin vor, die mit großen skulpturalen Arbeiten, häufig in einer Kombination von Ton und Metall, ebenso präsent ist wie mit Zeichnungen und Collagen, aber auch eigenen Gedichten. Gerade in der Collage knüpft sie an eine große Tradition an, der sie sich zugleich in besonderer Weise verpflichtet fühlt. Es ist das Werk von Hannah Höch, das als eine Art Schlüsselerfahrung ihr schon ganz zu Beginn eigener kreativer Versuche Anstoß und Inspiration bot. Elisabeth Weidemann setzt den Arbeiten von Höch freilich ganz im Sinne einer bewussten künstlerischen Emanzipation gänzlich eigene Positionen entgegen. Zur Ausstellung erscheint ein Katalog.

Abb. Elisabeth Weidemann, „Hören Sie doch mal hin“, Collage aus dem Leporello „Hommage an Kurt Schwitters, Treten Sie ruhig näher“, 1999.

Mit Simone Fezer präsentiert das Glasmuseum Immenhausen eine Künstlerin, die mit dem Material Glas vorzugsweise in raumgreifenden Installationen arbeitet. Die 1976 in Waiblingen/ Baden-Württemberg geborene Künstlerin entdeckte am Bild-Werk Frauenau, einer Ausbildungsstätte für Glas im Bayerischen Wald, ihre Begeisterung für das fragile Material.
Intensiv hat sie sich in den zurückliegenden Jahren mit dem Thema „Wurzeln“ auseinandergesetzt. Wurzeln sind für Simone Fezer etwas Existenzielles, sie wachsen in alle Richtungen, durchdringen, strecken sich aus und verbinden. Wurzeln ermöglichen das Aufnehmen von Nahrung und geben Halt. Das Verwurzelt-sein, aber auch das Vorwärtsstreben, sind zentrale Themen in der Arbeit der Künstlerin, die experimentell unterwegs ist und dabei die Grenzen des Materials Glas auslotet.
Für die Immenhäuser Ausstellung konzipierte Simone Fezer eigens eine an den Vitrinen ausgerichtete Installation aus großen formgeblasenen Figuren, aus denen erblühende Wurzeln strömen. Hier reichen die Wurzeln nach außen, werden aus einer Überfülle geboren und feiern die Schönheit, Zerbrechlichkeit und Vielfalt der Welt. Dazu zeigt sie große, raumspezifisch neu installierte Arbeiten, die das Oben mit dem Unten und das Innen mit dem Außen verbinden.

Abb. Simone Fezer

Wolf Bertram Becker steht in vieler Hinsicht für eine klassische Position der Malerei. Seine Sujets reichen vom Interieur über die Landschaft bis zur Architektur.
Mehr noch als die Totale interessieren ihn Details wie Brücken, Treppen, Gebäudefassaden, aber auch Parks und Schiffsanleger, das Hochgebirge und Ansichten vom Meer. Dabei geht es ihm weder um topografisch verlässliche Bildfindung noch um die Projektion einer romantisch gestimmten Subjektivität in den landschaftlichen Raum. Wichtiger ist ihm die Analyse von linearen Richtungsbezügen, Hell-Dunkel-Verteilungen, Flächengliederungen und Perspektiven der Raumwahrnehmung im sichtbaren Bestand der Welt. (Kai Uwe Schierz) Beckers Bildfindung geht einher mit einer teilweise radikalen Abstraktion des Gesehenen, die sich nicht zuletzt auch in der Farbgebung und der strengen Struktur seiner Bilder manifestiert. Seine Bilderwelten eröffnen als Parallelwelten zur Wirklichkeit dem Rezipienten einen erweiterten Erfahrungsraum und bieten zugleich eine eigene ästhetische Qualität.

Abb. Wolf Bertram Becker, Venice, 2016, Öl auf Karton, 29 x 21 cm

Gabriela Oberkofler befasst sich in ihren großformatigen filigranen Zeichnungen, raumgreifenden Installationen und Videos kontinuierlich mit Natur- respektive Kulturräumen und deren Verlust. Zäune und Käfige erscheinen dabei als Sinnbilder für Gabriela Oberkoflers Kreisen um Fragen nach Identität, Abhängigkeit und Zwanghaftigkeit. Zäune strukturieren den Raum wie den Blick und sind Teil einer Weltsicht aus zweifacher Perspektive -diesseits und jenseits des Zaunes.

Gabriela Oberkofler lenkt die Aufmerksamkeit in ihren verführerisch schönen Darstellungen auf leidvolle Kreaturen, deren Lebensraum durch Zäune, Käfige und Stricke eingeschränkt ist. In der kunsthistorischen Tradition spielte das Tier von Anfang an eine wichtige Rolle – ob als Sinnbild menschlicher Eigen- und Leidenschaften oder als Personifikation des Anderen, von dem eine Bedrohung ausgeht. Gabriela Oberkofler knüpft an diese Tradition an, sie reflektiert in ihrer künstlerischen Arbeit aber auch eigene Erfahrungen, die sich in einer kritischen Distanz zum vermeintlich zivilisatorischen Fortschritt verdichten.

Die Ausstellungseröffnung findet am Sonntag, den 31. Januar 2016 um 18 Uhr statt.

Abb. Gabriela Oberkofler Wolf, 2015, Aquarell auf Papier, 114 × 210 cm

Mühlhäuser Museen, Kulturhistorisches Museum am Lindenbühl

Es ist vor allem das Material, mit dem sie arbeitet, seine Herkunft und seine scheinbar mühelose Formbarkeit, das es rechtfertigt, Marion Walther eine im Wortsinn geerdete Künstlerin zu nennen. Für sie ist das Leben mit der formbaren Erde Ton, der sie als ihr Gegenüber und als lebenslange Herausforderung begegnet, existenziell. Ton ist das Material, das sie nutzt, um ihren Ideen Form zu geben. Und diese Form verdankt sich zuallererst der Erde selbst. In diesem Sinne geerdet und auch erdverbunden zu sein, begegnet uns eine Künstlerin, die inzwischen im Umgang mit ihrem Material die Techniken seiner Formgebung ebenso souverän beherrscht wie die des Brennens.

Ausstellung und Katalog spiegeln die Ergebnisse von mehr als drei Jahrzehnten künstlerischer Arbeit. Stilistische Brüche sind dabei nicht auszumachen, wohl aber ein schier unbegrenztes Ausloten eines Formenkanons, der vom klassischen Gefäß bis hin zu Boot, Kugel, Urne und zu Kopf und Torso reicht. Alles vielfach kombiniert und durch die Bearbeitung der keramischen Oberflächen mit Ritzungen und Zeichnung sowie dem weitgehenden Verzicht auf Glasuren unverwechselbar und stilprägend. Vorgestellt wird auch die Zeichnerin Marion Walther, die der Keramikerin inzwischen auf Augenhöhe begegnet. Marion Walther ist Künstlerin des Förderprogramms SV/ART-regio.

Abbildung: Marion Walther, WÄCHTERIN, Keramik, H 49 cm, 2009

MONDFRAU, Keramik, Reduktionsbrand, H 75 cm, 2006

Fotos: Roland Obst

Eva Teppe ist eine Foto- und Videokünstlerin, deren Arbeiten Momente aus dem täglichen Leben abbilden. Zu ihrem Konzept gehört es, offen zu lassen, warum sie existieren. Ihre Bilder werden ohne Kontext präsentiert und wirken dadurch fragmentarisch, wie Zufallsfunde, die Fragen provozieren. Eva Teppe bewegt sich dabei bewusst auf dem Terrain des Uneindeutigen und nicht vollständig Erklärbaren, auf das sie die Betrachter ihrer Arbeiten mitnimmt. Die abgebildeten Phänomene ihrer Alltagserfahrung bleiben ausdeutbar und fokussieren so das Interesse auf Umstände und Hintergründe ihrer Motive, wie etwa in der Foto Serie "Shinjuku Twilight", die in Tokio entstanden ist. In Eva Teppes Präsentationen ist es nicht der Betrachter, der das Bild steuert, sondern das Bild, das den Betrachter steuert. (Henk Visch)

Dies gilt auch für die Arbeit "Spooky Action at a Distance". Dafür hat Sie Messer, Gabeln und Löffel ihres 68-teiligen Aussteuer-Besteckkastens ohne Hilfe von Werkzeugen gebogen und verformt. In einem speziell angefertigten Kubus hängt jedes Besteckteil an einem dünnen Draht und wird nur von zwei Magneten gehalten. Durch die Anziehung und Abstoßung sind die Bestecke in stetiger leichter Bewegung und erzeugen so eine Spannung, die spürbar wird.
In ihrem Video "Sound of Silverware" bewegen sich gebogene Gabeln in einem schwarzen nicht identifizierbaren Raum. Der Sound der Videoarbeit basiert auf dem Originalsound der Edelstahlbestecke.

Eva Teppe lebt und arbeitet in Berlin. Sie ist in Korbach aufgewachsen und hat an der Akademie der Bildenden Künste in Stuttgart und an der Hochschule für Gestaltung Karlsruhe im Fach Medienkunst studiert. Es folgten mehrere Auslandsaufenthalte, u.a. ein NYC Stipendium der Hessischen Kulturstiftung Wiesbaden und ein dreimonatiger Aufenthalt in Japan im Rahmen des Art Scope Preises.

Abb. Eva Teppe, Sound of Silverware, Videostill

Es liegt was in der Luft! - Duft in der zeitgenössischen Kunst

Eine Ausstellung vom 22. März bis 2. August 2015 in Museum und Kunsthalle Villa Rot, Burgrieden-Rot.

Über viele Jahrhunderte stand das Sehen im Zentrum der Bildenden Kunst. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts wurde das Primat der visuellen Welterfahrung in Frage gestellt. Die Künstler des Futurismus dürfen als jene Avantgarde gelten, welche sich mit der Aufwertung von Klang und Duft an den Anfang einer Entwicklung setzten, die in den 1960er-Jahren in der Formulierung neuer Kunstbegriffe und der Entstehung multi-sensorischer Kunstformen kulminierte.

Hören, Fühlen und Riechen gewannen in der künstlerischen Praxis zunehmend an Bedeutung.

Als biochemische Botschaften wecken sie Gefühle, Erinnerungen und Assoziationen. Düfte provozieren, können anziehend oder abstoßend sein, Emotionen beeinflussen, betrügen und verführen.

Die Ausstellung in Kunsthalle und Museum Villa Rot spürt der Bedeutung des Geruchssinns nach. Sie präsentiert Rauminstallationen von Gegenwartskünstlerinnen und -künstlern, die Düfte unter unterschiedlichen Vorzeichen auf Ursache, Zusammensetzung und Wirkung untersuchen. Darüber hinaus bietet ein kunsthistorischer Exkurs Einblicke in theoretische Ansätze der Moderne.

Zur Ausstellung erscheint ein exklusiv für das Museum Villa Rot komponiertes Parfüm.

Abb. Maki Ueda, Olfactory Labyrinth Vol. 1, 2013, Installation, Courtesy by the artist.

Eine Ausstellung vom 29. März bis 25. Mai 2015 in der Kunststation Kleinsassen/Rhön.

Timm Kregels Holz- und Metallskulpturen scheinen einer anderen Welt zu entstammen, so skurril sind ihren Formen. Doch bei genauerem Betrachten werden Vorbilder erkennbar. Es sind Pflanzen- und Wuchsformen, wie sie die Natur in überreicher Fülle hervorbringt, aber auch mythisch "beladene" archaische Objekte. Kregel setzt das Gesehene, im Verborgenen entdeckte, aber nicht abbildhaft, sondern vielfach verfremdet um, indem er mit den Dimensionen ebenso spielt wie mit der Materialität. Ursprünglich auf das Holz als Gestaltungsmaterial konzentriert, das er nicht allein den Wuchsformen folgend montiert, hat er in den letzten Jahren intensiv mit Gießtechniken experimentiert und nutzt heute vor allem den Aluminiumguss mit seinen besonderen Möglichkeiten. Es entstehen großformatige, oft auch aus mehreren Einzelelementen montierte Formen mit vielfach durchbrochener und stark gegliederter Oberfläche. Zweimal greift der Künstler gestalterisch ein, beim Bau der Form und noch einmal im Gießprozess selbst, bei dem seine Präsenz unverzichtbar ist. Kregel hat dabei nicht nur Neuland beschritten, sondern eine Technologie entwickelt, die geeignet ist, seinen gestalterischen Ideen Form zu geben. Neuerdings kombiniert er das metallische Material auch wieder mit Holz.

Parallel zu den Skulpturen entstehen immer wieder auch grafische Umsetzungen seiner Formen in unikaten großformatigen Holzschnitten.

Abb. Timm Kregel, Argus, Aluminiumguss

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Aktuelle Ausstellungen

Marion Walther - Zwischen Erde und Traum

Eva Teppe - GEFUNDENE BLICKE

Es liegt was in der Luft! - Duft in der zeitgenössischen Kunst

Timm Kregel - Skulptur und Zeichnung